In un’atmosfera sospesa tra sogno, desiderio e prigionia, Dante Gabriel Rossetti, genio preraffaellita, immortala una delle figure più tragiche e simboliche della mitologia classica: Proserpine, la Persefone latina, dea rapita negli abissi infernali da Plutone e condannata a vivere metà dell’anno nell’oltretomba. Nel celebre dipinto “Proserpine” (in diverse versioni, tra cui quella conservata alla Tate Britain), Rossetti plasma con pennellate morbide e cariche di malinconia un ritratto che va oltre il mito: è l’archetipo della donna divisa tra luce e oscurità, tra dovere e passione, tra libertà e destino. Un simbolismo colto e romantico L’opera, realizzata tra il 1874 e il 1882, rappresenta Jane Morris, musa dell’artista e moglie dell’amico William Morris, nei panni della dea. Jane, con i suoi tratti androgini e lo sguardo magnetico, incarna perfettamente il tormento dell’anima preraffaellita: il volto assorto, gli occhi perduti nel vuoto e la mano che stringe il frutto proibito – il melograno – evocano l’istante eterno della scelta, della trasgressione e della condanna. Il melograno, simbolo ambivalente di vita e morte, fertilità e dannazione, è il nodo centrale dell’opera. Secondo il mito, mangiarne i semi costringe Persefone a ritornare ciclicamente negli Inferi. Rossetti coglie quel momento esatto, lo rende pittura e poesia: la Proserpine di Rossetti non è solo un personaggio mitico, ma una riflessione visiva sull’irrevocabilità delle scelte e sull’ineluttabilità del tempo. L’arte come confessione “Proserpine” non è solo un’opera mitologica, è anche profondamente autobiografica. Rossetti, poeta e pittore, vede in Jane una figura irraggiungibile, desiderata e negata. Il dipinto riflette questa tensione amorosa repressa, questo amore che – come Proserpina – esiste ma è imprigionato. Ogni piega del mantello blu che la avvolge è come un’onda di malinconia, ogni ombra sul volto è un pensiero che non può essere detto. La luce che entra da una finestra lontana, i rami di edera che salgono nell’oscurità, la lucerna posta in basso a sinistra: tutto contribuisce a costruire un ambiente claustrofobico e teatrale, come una cella dorata in cui la bellezza si fa prigione. Un’eredità eterna Rossetti scrisse anche dei versi per accompagnare l’opera, confermando la sua volontà di fondere arte visiva e parola poetica. In un passaggio scrive:“And still some heart unto some soul doth pine…”Ancora oggi, quelle parole risuonano come un’eco senza tempo del desiderio impossibile, della nostalgia dell’anima, del dualismo esistenziale tra cielo e inferno….

HELL AND HEAVEN – CAPITOLO VII MOSTRA D’ARTE CONTEMPORANEA Dal 27 giugno all’11 luglio 2025, la Villa delle Arti – Contea del Caravaggio a San Giovanni La Punta (CT) ospita la mostra d’arte contemporanea “Inferno e Paradiso”, un evento che fonde letteratura e arti visive ispirandosi alla Divina Commedia di Dante Alighieri. L’esposizione, intitolata “Hell and Heaven – Capitolo VII”, rappresenta il settimo atto del ciclo “La XXI Tela” e propone un intenso dialogo tra due artisti di rilievo internazionale: Carmelo Fabio D’Antoni, interprete dell’Inferno, e Alexander Donskoi, rappresentante del Paradiso. Carmelo Fabio D’Antoni: l’Inferno tra materia e visione Carmelo Fabio D’Antoni, fondatore del Movimento Artistico Stilnovista, è noto per la sua capacità di trasformare l’arte in linguaggio dell’anima e della coscienza. In questa occasione, presenta una serie di opere che incarnano le atmosfere cupe, passionali e tormentate dell’Inferno dantesco. L’inferno di D’Antoni è una dimensione simbolica e psicologica, dove le colpe dell’uomo prendono forma e colore attraverso una tecnica che fonde classicismo, spiritualità e tensione materica. L’artista trasforma la tela in un purgatorio visionario, denso di richiami letterari e riflessioni morali sulla società contemporanea. Alexander Donskoi: il Paradiso tra simbolismo e spiritualità Alexander Donskoi, artista russo naturalizzato canadese, offre una visione del Paradiso densa di luce, simbolismo e spiritualità. Nato nel…

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